Infografía de Moisés

Recién acabado un curso de infografía, os presento el proyecto final que he realizado. Como se trata de un comentario obligatorio de Historia del Arte, quizás os ayude algo.

Panteón

Contexto histórico.

Cronología y autoría: El edificio conocido como Panteón se levantó en el campo de Marte, Roma, en época del Emperador Adriano, en concreto entre los años 118 y 125. Atribuido a Apolodoro de Damasco.

Precedentes: Anteriormente, en ese mismo espacio, había un primitivo templo edificado por Agripa en tiempos de Augusto, dañado por un incendio. Del primitivo templo, seguramente de planta rectangular y entrada orientada, al parecer en sentido contrario al actual, se conserva la inscripción, ya que Adriano siempre rechazó que su nombre apareciera en los edificios levantados bajo su gobierno, hecho casi insólito entre los gobernantes romanos. 

 

Descripción formal.

Como si de un foro se tratara, el Panteón, en su concepción original estaba rodeado de una plaza porticada que quizás nunca se llevó a cabo y que solo permitiría ver el pórtico de entrada frontalmente.

El edificio en el exterior muestra la dualidad entre el pórtico griego y el diseño romano. Una de las curiosidades de este edificio es que relaciona un pórtico más o menos tradicional con una cella circular a través de un cuerpo intermedio.

 Así se pueden distinguir tres partes:

1-      El pórtico: está formado por tres columnatas paralelas, la exterior octástila y las interiores tetrástilas, cubriendo el espacio amplio entre ellas con vigas de madera.

La columnata, de orden corintio con fuste liso de granito de una sola pieza, divide el espacio interno en tres naves: las laterales acaban en dos nichos originalmente decorados con estatuas, y la central, en una gigantesca puerta de bronce. En el friso exterior se lee el nombre de Agripa. No se conserva decoración escultórica en el frontón, aunque por la localización de las marcas de las sujeciones hay quien se atreve a aventurar que estaría ocupado por una gigantesca águila.

 

2-      El cuerpo intermedio: En esencia está compuesto por dos grandes machones[1] o contrafuertes adosados al muro de la cella. Su tamaño permite dejar un espacio en cada uno ocupado por dos escaleras que ascienden a la cúpula. En el exterior, este cuerpo es visible formando un cuerpo rectangular grueso con un segundo frontón, más elevado que el principal. Hay quien argumenta que ambos deberían tener la misma altura pero fue imposible realizar unas columnas tan elevadas para la parte delantera (más de 15 metros).

 

3-      La cella: Es un espacio circular. En el exterior se nos muestra como un cilindro desnudo, perdido ya el revestimiento de mármol y estuco[2], con una estructura que combina el hormigón con paredes de ladrillo. Se organiza en tres pisos superpuestos en los que hoy es posible observar el sistema constructivo: todos los pisos poseen arcos de descarga, auténtico esqueleto interno del edificio, constituidos en contrafuertes integrados en el muro y que distribuyen la presión de la cúpula concentrándola en 8 enormes pilares. 

 

El edificio culmina en la cúpula de más de 42 metros de diámetro (150 pies) (la misma medida que su altura por lo que se puede inscribir en una esfera completa). Antes debía estar cubierta con tejas de bronce dorado y hoy se nos muestra desnuda. En la parte superior se abre un óculo que da al edificio su iluminación cenital, típica de los monumentos funerarios. No está cerrado, por lo que el suelo dispone de conductos para desaguar  la lluvia. Salvo la tenue luz de la puerta de entrada y del óculo no existe ningún otro vano luminoso. 

 

 

En el interior, distinguimos también tres niveles, separados por dos impostas (saledizos que los separan).

• El nivel inferior está compuesto por ocho exedras (nichos) de planta trapezoidal y semicircular alternativamente. Todo el nivel está decorado con columnas y pilastras corintias, edículos (templetes) entre las exedras y un entablamento.
• El segundo nivel lo componen una serie de ventanas rectangulares, que no dan al exterior sino a un pasillo interior.
• El tercer nivel es la cúpula, formada por filas de anillos que decrecen en tamaño y grosor hacia el centro, donde se encuentra el óculo antes mencionado. Otra serie de meridianos dividen el espacio en cinco filas de casetones (adornos huecos de forma geométrica que decoran los techos).
  
  
  
  
  
  

 
 

 

Función y significado

    La palabra Panteón, ha hecho suponer que podía ser un templo de todos los dioses.

 A algunos historiadores del arte les parece más probable que se trate de un monumento funerario al espíritu protector de los Emperadores, como otros edificios cupulares de la antigüedad.

Muestra o símbolo de la cosmogonía romana inspirada en Aristóteles: la cúpula con estrellas iluminada por el sol, representa la esfera celeste y se asocia al poder mundial del Imperio romano. El óculo sería el sol que ilumina el interior, existiendo capillas para las siete divinidades celestes que conocían los romanos: el sol, la luna y los cinco planetas (Mercurio, Venus, Marte, Júpiter, Saturno).

Su buena conservación se debe a que fue convertida en iglesia cristiana en el siglo VII, bajo la advocación de Santa María de los Mártires. A partir del siglo XVI fue el espacio para acoger la sepultura de hombres famosos como el artista Rafael (S. XVI) o el rey Víctor Manuel II.

Trascendencia: La obra hay que relacionarla con las grandes bóvedas existentes ya en las termas, pero era una novedad usarlas en un templo. Su trascendencia histórica se mide por la admiración suscitada en los siglos posteriores, especialmente en el Renacimiento, donde fue estudiada e imitada, entre otros por Brunelleschi en la elaboración de la cúpula de la catedral de Florencia en el siglo XV.

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[1] Machón: enorme pilar de forma irregular.

[2] Estuco: pasta de grano fino compuesta de cal, mármol pulverizado y pigmentos, usada para enlucir paredes y techos. Puede pulirse y colorearse adquiriendo una apariencia de mármol.

El Doríforo de Policleto

Contexto histórico.

Obra típica del período clásico del s. V a C., representa un momento  culminante dentro de la evolución de la escultura griega. Conservamos pocas obras del artista, Policleto. Pertenece a la escuela de Argos y trabaja en los años de Fidias (entre el 460 y el 420 a. C.), aunque como escultor del bronce. Sus obras originales no se conservan, pero sí buenas copias en mármol encargadas por clientes de Roma, como es el caso de la obra que comentamos (la copia más destacada es la del Museo de Nápoles procedente de Pompeya). Tendrá continuadores en el siglo IV a. C. Incluso en Roma, se ve su estilo en obras como el Augusto de Prima Porta.

Descripción formal

Imagen tallada en mármol blanco, de bulto redondo, exenta, copia de un original en bronce. Doríforo significa el que lleva la lanza. Se trata de un atleta vencedor, que algunos quieren reconocer como Aquiles. La obra tiene merecida fama al ser un ejemplo de los rasgos que caracterizaron a la escultura clásica griega.

En primer lugar, el dominio técnico alcanzado por el escultor, auténtico maestro en la representación del cuerpo desnudo masculino, lo que le permite reflejar de una manera más natural la anatomía, redondeándose la musculatura propia de un atleta. Aquí todavía se intuye cierta sencillez que remite a formas geométricas. Las líneas del pecho y del bajo vientre están muy marcadas, formando segmentos de un óvalo. La forma esférica de la cabeza ha hecho recordar que Platón defendía que los dioses habían dado esa forma a la zona más noble del ser humano como imagen de la figura del universo. Así el pelo se ciñe al cráneo para no romper el contorno esférico.

En segundo lugar, lo más destacado de él es el Canon o cálculo de proporciones medido por el escultor, para conseguir una imagen de belleza ideal, basada en el estudio de la naturaleza. El tratamiento anatómico está supeditado el cálculo matemático.La proporción consiste en que el cuerpo completo mide 7 cabezas. Hizo también el cálculo del rostro, que se divide en tres partes iguales, señaladas por las cejas, la base de la nariz y el mentón.

El equilibrio y armonía de los movimientos se consigue mediante el "contraposto", posición más natural de un cuerpo en reposo, que consiste en flexionar una pierna dejando rígida la otra, lo que inclina ligeramente la línea de las caderas y hombros. Igualmente mantiene rígido un brazo mientras flexiona el otro. Policleto perfecciona esta actitud iniciada ya por escultores anteriores al llevar más atrás la pierna que descansa y tocar el suelo sólo con los dedos del pie. De este modo la figura gana en profundidad (a lo que contribuye también el brazo que lleva la lanza) y da una mayor impresión de vida. La cabeza gira ligeramente hacia la izquierda rompiendo con la frontalidad, aunque la figura está concebida para observarse desde un único punto de vista principal (unifacialidad). El movimiento del atleta es tranquilo: parece andar con su lanza en la mano derecha apoyada en el hombro y busca expresar a la vez vitalidad y serenidad, dos ideales del clasicismo. No se renuncia pues a la placidez y calma que emanaba ya de las obras del período arcaico. La expresión del rostro más bien serio y abstraído está poco acusada.

Significado

La teoría más aceptada es que se trata de un atleta vencedor, representado en una escultura votiva o regalo para un templo. No conservamos la obra original propia de Policleto (siglo V a C.) El vencedor agradece a los dioses su ayuda para la victoria. El templo era el lugar donde se celebraban competiciones sagradas propias y exclusivas de los hombres; competían desnudos, tal como reflejan sus imágenes. Cuando un atleta lograba tres victorias, tenía derecho a una estatua en honor del dios del lugar, generalmente Apolo o Zeus.

La obra busca al mismo tiempo mostrar la belleza física y el equilibrio espiritual, adecuado a un atleta vencedor, un ser que consideraban protegido por los dioses; el rostro se muestra pensativo, como en otro mundo, de acuerdo con el objetivo del artista clásico, el reflejo de la “sofrosine”.

Policleto se distinguió, además, por una vocación teorizante con un afán didáctico. Parece pues que la obra buscó voluntariamente ejemplificar la teoría desarrollada por Policleto en su libro llamado “Kanon” (“norrma”), sobre las proporciones ideales del cuerpo humano, la relación armónica de las partes, unas con otras y cada una con el conjunto (un dedo con el antebrazo, este con el brazo,…), de ahí que también la escultura sea conocida con el nombre del “canon”.

El Partenon

Aquí tenéis un vídeo sobre el Partenon. Os pongo los minutos que os recomiendo ver y luego me contáis cual era su contenido: 

• Entre los min. 10 30 y 22'30 (obligatorio)
• Entre los min. 22'30 y 32 (opcional, si os sigue interesando)

Y aquí tenéis el resumen esquemático del análisis de la obra

Contexto

1. Estamos ante el ejemplo más importante de edificio griego de época clásica.
2. Arquitectos: Ictino y Calícrates, bajo la dirección de Fidias. 
3. 2ª mitad siglo V a. C.: 447-438 a. C. Enmarcarlo en la reconstrucción de toda la Acrópolis devastada por los persas en la 2ª Guerra médica (480 a.C.). Por aquel año, para celebrar la victoria de Maratón se estaban levantando unos nuevos Propileos y el llamado pre-Partenón. Acabada la segunda guerra, también con victoria griega, hubo de reconstruirse Atenas durante 30 años. Sólo con la normalidad, Pericles, gobernante de la ciudad, enriquecida por la dirección de la Liga de Delos, se planteó volver a los proyectos interrumpidos por la guerra, entre ellos el Partenon, templo dedicado a la diosa protectora de la ciudad, Atenea.

 Descripción formal

•  Templo dórico, octástilo y períptero
  
•  Planta: doble línea de columnas en sus frentes. Así existen dos pórticos. El que da acceso a la naos sería la pronaos. 

           Naos: alberga la estatua crisoelefantina de Atenea, realizada por Fidias, rodeada de una   columnata dórica de dos pisos en forma de U

Partenon de Nashville (USA)

            Opistodomo: cuatro columnas jónicas hasta la techumbre.

• Exterior: Ejemplo de orden dórico. Aquí debes comentar todos sus elementos.

•  Mármol coloreado

Nashville

•  Deformaciones imperceptibles seguramente para corregir ilusiones ópticas: estilóbato convexo, éntasis, columnas de las esquinas más voluminosas, columnas inclinadas hacia el muro, ...

• Mención a la importantísima decoración escultórica: metopas, friso interior y frontones.

• Metopas: cuatro batallas míticas, prefiguraciones de la de Maratón: Gigantomaquia, Troya, amazonomaquia, centauromaquia.

 

• Friso: Procesiónde las Panateneas (160 metros de relieve): cada cuatro años, el pueblo de Atenas ascendía a la Acrópolis para hacer entrega a Atenea de un Peplo finamente bordado. Decoración casi invisible por su situación en el muro de la cella.

 












 

• Frontones. Ya inaugurado el Partenon (438 a. C.), Fidias elaboró con sus mejores discípulos las esculturas de los frontones. Occidental: enfrentamiento entre Atenea y Poseidón por el Ática. Oriental: nacimiento de Atenea.

Función y significado

• Contentar a la diosa protectora de la ciudad, agradeciendo la victoria contra los persas.
• Mostrar la gloria de la ciudad en sus años de esplendor.
• Reflejar los rasgos del arte clásico, su racionalismo y belleza ideal como modelo constructivo.
• Transformación posterior del edificio: El Partenon sufrió cambios a lo largo de la historia ilustrado en el siguiente vídeo. https://www.youtube.com/watch?v=jVvZ9CbiC-0 
• Edad Media: convertido en iglesia bizantina
•  S. XV: Mezquita turca. Al almacenar pólvora durante la guerra contra Venecia, voló por los aires (destrucción de todo el interior y 14 columnas).
• S. XIX: Lord Elgin arrancó la mayor parte de sus esculturas que hoy se encuentran en el Museo Británico. Se eliminaronlos postizos, pero sufrió las consecuencias de la guerra de independencia griega y de un terremoto a finales del siglo.
• S. XX: reconstrucción, sobre todo de la parte septentrional.

Los fusilamientos del 3 de mayo. Goya. Esquema

Contexto

• Una de sus dos pinturas conocidas como "pinturas patrióticas": "La carga de los mamelucos" y esta, "Los fusilamientos del 3 de mayo".
• 1814, acabada la guerra de la Independencia.
• Pinturas conmemorativas: ofrecimiento a la Regencia, en el momento de la espera del regreso de Fernando VII desde Francia, para recrear el patriotismo de los españoles en los primeros momentos de la lucha contra Napoleón (levantamiento popular). Pagado por la Corona.

Descripción formal

• Óleo sobre lienzo
• Tema: representa una escena de la represión que siguió al levantamiento del 2 de mayo en Madrid, cuando las autoridades francesas mandaron ejecutar a cualquier madrileño portador de armas, lo que supuso el fusilamiento de cientos de hombres y mujeres (prácticamente todo el pueblo llevaba navajas por aquel entonces).
•  Función dramática y compositiva de la luz: divide el lienzo en dos partes:
1. La oscuridad: verdugos sin rostro, pelotón de fusilamiento que forma una diagonal que obliga al espectador a contemplar la escena desde ella. Al fondo, la ciudad de madrid entre sombras.
2. La parte luminosa: los patriotas que están siendo fusilados por los franceses. Destaca el hombre de la camisa blanca que parece absorber la luz, desafiando a los verdugos. A su lado, un fraile reza de rodillas, otros se tapan el rostro, se muerden los nudillos, crispan los puños. Cadáveres y su sangre llenan el suelo.

•  Fuerza expresiva nueva y extraordinaria:
• Los rostros expresan emociones extremas. El lenguaje de las manos intensifica el climax.
• Escorzos violentos potencian el dramatismo de la composición.
• Redujo la gama cromática: ocre, negro, blanco de la camisa, rojo de la sangre que domina en el suelo. Ropas oscuras. Cielo en tono morado, casi negro.
• Dramatismo acentuado por el uso de fuertes pinceladas y manchas de color. El contraste lumínico y las sombras configuran el ambiente.
• No hay preocupación académica por el equilibrio del cuadro o la corrección del dibujo.

 

Significado

• Nueva forma de entender el tema de la Historia en la pintura: no como hechos victoriosos o paces honrosas, sino como una vivencia directa y amarga de enorme carga política (influencia en la pintura romántica). 
• Cuadro de exaltación nacional: heroismo de los patriotas y sobre todo del pueblo a quien parece canonizar. Así la obra presenta referencias religiosas: el hombre de la camisa blanca recuerda a Cristo crucificado (estigmas en sus manos), entre las sombras se aprecia una figura femenina con un niño en brazos para algunos clara alusión a la Virgen.
• Función más "egoista": congraciarse con el nuevo rey Fernando VII y conservar su antiguo puesto de pintor de Cámara y la pensión correspondiente (no olvidemos que había sido citado por la repuesta Inquisición por pintar la "Maja desnuda" y que se le tildaba de afrancesado por haber pintado a José I). Fernando VII lo mantuvo en su puesto, pero mandó este cuadro al almacén. Quizás su talante absolutista no era compatible con la sublimación del pueblo.
• Significado artístico trascendental, avanzando los futuros caminos de la pintura: no hay una representación fidedigna de la realidad sino que priman los recursos expresivos (el naturalismo ha sido superado). Antecedente del expresionismo del S. XX pues los sentimientos interiores deforman la realidad.
• Muestra pues del mejor Goya, el innovador, difícil de clasificar.